Cuentos kafkianos, por Manuel Ferreira (2º Bto B)

UN ARTISTA DEL HAMBRE

Eran otros tiempos…

En esta obra, Kafka nos explica el proceso de decadencia y muerte de un ayunador, profesional del circo que desde su jaula se gana la vida con este macabro espectáculo, enriquece al empresario que lo ha contratado y distrae al pueblo. Nos indica cómo el ayunador ha hecho de este acto su profesión, no conociendo otra. Y cómo, cuando es desenjaulado, hay una pequeña orquesta, un grupo de personas, y hasta un fotógrafo para dar a este desahuciado la bienvenida a la vida.

Pero no es eso lo que de verdad interesa a Kafka, a él le importa el tema del ayunador como persona capaz de soportar el hambre, por tanto, un ser superior a ese otro grupo de personas que están frente a él. Y es, al final de este relato, cuando llegamos con más claridad a comprender su sentido. ¿Aquello ante lo que rendimos la mirada, así esté enjaulado, no es acaso superior a nosotros?

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Si considerásemos esta pequeña obra sólo como un pequeño cuento nos equivocaríamos, en él no sólo hay planteada una historia, sino la sobrevivencia del propio autor como observador de esa extraña frontera entre la vida y la muerte a la que se acercaba, además de un profundo conocimiento de las personas.

Esta obra fue escrita a raíz de la tuberculosis de garganta del propio autor, quien llegó en un momento de su vida a no poder tragar casi ningún alimento, convirtiéndose así en un “Artista del Hambre”.

Personalmente, me ha parecido que a pesar de sus brevedad, esta es una obra con mucho sentimiento oculto, así como con un valor humanitario que nos hace partícipes de las emociones del propio personaje, además del sentimiento que el autor, Franz Kafka, incluye en esta obra. Es una obra que hace recapacitar al ser humano sobre el valor de la vida, así como sobre la poca consideración y humanidad que caracterizan al ser humano en general.

UN ARTISTA DEL TRAPECIO

Franz Kafka nos narra la historia de un trapecista que por el amor que siente hacia su propia profesión decide vivir de manera permanente sobre su trapecio. La relación social con otros sujetos se limitaba a breves intercambios de palabras con los trabajadores que montaban y desmontaban el circo, así como con el empresario cuando el circo debía trasladarse a otro sitio, situación que incomodaba un poco al trapecista. Aún durante las funciones, permanecía quieto en su lugar para no distraer la atención de los actos que se realizaban en la pista.

Un día el trapecista le dijo al empresario que no podía vivir en un solo trapecio y que necesitaría dos. El empresario aceptó la petición pensando en diversificar el número artístico. Sin embargo, el artista mantenía su estado de tristeza que lo lleva a exclamar: “Solo con una barra en las manos, ¡cómo podría yo vivir!”. El empresario, sin llegar a comprender la situación del trapecista, parece encontrar durante el sueño en que ha caído el artista la razón de su estado: la vejez del personaje.

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En Un artista del trapecio Kafka hace referencia a una historia con alma, historias con temas escondidos detrás de cada palabra, de cada frase. Franz Kafka sobrevalora irónicamente la devoción y el interés que cada uno impregna en su profesión y el poco valor que dan a estos los empresarios, que se enriquecen y tiranizan la posición del artista, en este caso, la del trapecista, que ve cómo pasa su vida encima de un trapecio. Así aparece uno de los temas más influyentes en las obras de Kafka, la soledad.

RESEÑA SOBRE “OTRA VUELTA DE TUERCA”, DE HENRY JAMES, POR MANUEL FERREIRA (2º BACH. B)

Algo sucede en la gran mansión…

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Otra vuelta de tuerca es una historia corta de suspense  y actividad paranormal, que invita al lector a fijarse con interés hasta  en el más mínimo detalle. La historia está escrita en primera persona, es narrada por la joven institutriz encargada del cuidado de dos niños, Flora y Miles.

Bajo mi punto de vista, el título del libro hace referencia al poder de la mente para entrelazar y dar la vuelta a las cosas cuando la aprietas demasiado, hasta el punto de que incluso se puede llegar a la locura. Pues eso es lo que sucede aquí.

Decidí leer el libro para subir algo de nota, además de tener algo que despejara la cabeza a un alumno de 2º de Bachillerato. Que la historia tratara sobre lo paranormal también me llamó la atención, incluso que los protagonistas fueran dos niños pequeños, por eso que dicen sobre que los niños pequeños tienen una mayor capacidad para ver fantasmas o algo así…

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La trama es muy buena, ese toque de locura combinado con lo extraño despierta el interés del lector desde su primera oración. Además yo no soy una persona aficionada a la lectura, y desde el primer momento me enredó.libro-otra-vuelta-de-tuerca-henry-james

Lo que no me agradó mucho fue el final, pero eso no quiere decir que sea malo, simplemente me pareció “precipitado”. Durante toda la obra, el autor juega con la mente del lector, mantiene en él constantemente la sensación de que no todo lo que lee es cierto, o mejor dicho, no todo lo que lee sucede. Le hace creer cosas que en el último párrafo del capítulo final dan una vuelta inesperada.

Asimismo, hay una evolución en el ambiente de la obra: todo comienza con un tono alegre y suave y, poco a poco, va predominando lo lúgubre y oscuro.

En definitiva, la lectura de Otra vuelta de tuerca se me hizo fluida, interesante, inquietante y diferente, por eso la recomiendo, porque es capaz de mantener en el lector una agradable sensación de suspense y curiosidad.

Reseña de Esther Lara (2ºBach. B) sobre “Estupor y temblores”, de Amélie Nothomb

estupor y temblorAmélie es una chica belga que decide ir a trabajar a una importante empresa nipona creyendo que allí le iría muy bien. Al llegar todas sus expectativas cambian, pues tiene una serie de jefes que se lo hacen pasar mal, tanto que empieza trabajando como contable y termina limpiando los lavabos. Al final llega a dimitir porque no aguantaba más la situación, pero no pudo denunciarlo, tuvo que decir a sus superiores, siendo mentira, que no había podido alcanzar las metas de la empresa.

Esta es una novela que realiza una crítica social. A través de cinco personajes el lector puede saber cuáles son algunos de los grandes males de la sociedad japonesa y, en concreto, de sus grandes multinacionales. Amélie Nothomb cuenta su propia experiencia en una de estas empresas donde tuvo hasta cuatro superiores, tres de los cuales se portaron muy mal con ella, y donde vivió la explotación y la crueldad extrema.

La novela también denuncia en parte el machismo existente en la sociedad japonesa, pues las mujeres todavía hoy son menospreciadas en el mundo de la empresa.

CRÍTICA DE “MOULIN ROUGE”, POR DIEGO RODRÍGUEZ (2º Bach. B)

Alzada la vista 15 años después de su nacimiento, el tiempo ha convertido a ‘Moulin Rouge’ en el abanderado del género musical en los últimos tiempos, cada vez más extinto en este S XXI, a la par que lo confirma como uno de los títulos clave del género, siendo también, por qué no decirlo, una de las mejores películas de la década (numerosos reconocimientos hablan a su favor, como el Globo de Oro a la Mejor Película, nominación a la Palma de Oro en Cannes y ocho nominaciones a los Oscar, de los que ganó dos y entre los que se incluía el de Mejor Película).29624766

Sin embargo, bajo ese disfraz de película multipremiada y reconocida por amplios sectores de crítica y público, se esconde a su vez una de las películas más controvertidas y discutidas de todo el Séptimo Arte, con un elevadísimo número de detractores que cuestionan el vanguardismo de la propuesta, y que se autodeclaran incapaces de comprender los supuestos méritos de la obra, y que la catalogan de manera rotunda como sobrevalorada e incluso estúpida.

Teniendo en cuenta que quien firma el asunto es Baz Luhrmann, autor de una película tan atrevida (e incluso más) como ‘Romeo + Julieta de Shakespeare’, rodada cinco años antes, y que convertía la clásica y universal obra del famoso autor británico en un contemporáneo y urbano videoclip con música a toda pastilla, pandilleros y coches tuneados incluidos, debemos esperar que ‘Moulin Rouge’ no va a recibir lo que solemos llamar, un tratamiento a la vieja usanza. De hecho, comparada con aquella, ‘Moulin Rouge’ se convierte en una experiencia aún más loca e intensa, sin ni un solo momento de descanso, repleta de personajes excéntricos por doquier y con una fotografía llena de zooms agresivos, enfoques inauditos y demás piruetas visuales pergeñadas por un Baz Luhrmann en estado de gracia que transforma el París de 1900 en la mayor discoteca de ensueño posible.

Una discoteca que da pie a otro de los grandes atrevimientos de la obra, que juega constantemente con los anacronismos temporales, cimentando su banda sonora sobre un conjunto de remix pop de reconocidas e importantes canciones como ‘Your song’, de Elton John, etc, que son versionadas fantásticamente por los propios protagonistas, entre los que destaca un soberbio Ewan McGregor que aguanta increíblemente el tipo como cantante improvisado sosteniendo las notas altas de los intensos finales de muchos de sus temas, y una Nicole Kidmancon una voz realmente hermosa. A nivel interpretativo, ambos “dan el callo” de manera cuasi sobresaliente y son secundados a la perfección por un excelente reparto, de entre los que destacan Jim Broadbent, Richard Roxburgh o John Leguizamo, interpretando al famoso pintor parisino Toulouse-Lautrec.b1ea5-moulin4

El único pero que habría que atribuirle es que, tras los primeros 45 minutos, una vez que el espectador ya se ha “aclimatado” a la borrachera visual y a la locura del guión, precisamente éste comienza a dar síntomas de agotamiento, produciéndose ciertos altibajos de tono y ritmo, levantándose en el tramo final a pesar de todo, aunque viendo el resto de la película y lo frío de su desenlace, uno acaba ya por no saber si su objetivo es que el espectador siga riendo o llore, sin que finalmente se experimente ninguna de las dos sensaciones, y dejando cierta sensación de fallido remate final.

A pesar de todo, una más que sorprendente y atrevidísima obra, visualmente arrebatadora, capaz de contagiar y transmitir la locura que atesora dentro por medio de un fabuloso caleidoscopio de imágenes y música que invitan a un increíble torrente de sensaciones, y que convierte la vida bohemia en el París de principios del siglo pasado en una excursión a Disneylandia. Un carnaval kitsch tan amado como denostado, y que ante todo cumple la principal premisa de su siempre arriesgado autor: no dejar indiferente a absolutamente nadie. Y a fe que lo consigue.

“Cazadores de sombras. Ciudad de hueso”, de Cassandra Clare, por Adrián Taveras (4º E.S.O. A)

¿Te acuerdas de los cuentos de demonios y monstruos que oías frente a la hoguera? Pues prepárate porque te adentrarás en un mundo donde todos existen.
Clary Fray es una joven que vive con su madre. Una noche ella y su mejor amigo, Simón, hacían fila para la discoteca de moda en Nueva York, Pandemonium. Al entrar, Clary siguió a un chico con aspecto angelical de pelo azul. Llegó a un cuarto donde contempló la muerte de aquel chaval, asesinado por tres chicos con marcas y tatuajes raros, de vestimenta sombría y oscura.
Uno de los chicos, con aspecto de ángel, pelo rubio y ojos de color miel, llamado Jace, se sintió atraído por Clary y empezó a seguirla hasta que terminó por contarle su secreto. Era un cazador de sombras. Jace, Clary y los demás cazadores de sombras se enzarzaron en una batalla contra demonios, hadas y muchos más monstruos, en la cual Clary desempeña un papel decisivo.

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Me ha gustado este libro porque esconde muchos misterios y mezcla diferentes estilos, dese episodios cómicos hasta otros mucho más serios e incluso trágicos. Los personajes principales están muy bien descritos, aunque tendrían que haber profundizado un poco más en sus vidas para saber más de ellos. De quienes no explica casi nada la autora es de los enemigos, por ejemplo, me pareció que con solo contar por qué se cambió de bando el enemigo principal no basta, y que sin contar casi nada de él al oír su nombre todos se aterrorizaran me parece ridículo.
De todas formas, esta es solo una primera parte de la historia. Seguro que en las siguientes nos irán desvelando más información de cada uno de los personajes de esta novela que estoy seguro de que os gustará.

MÁS SOBRE SHAKESPEARE Y EL CINE. Reseñas de Diego Rodríguez (2º Bach. B) sobre ‘Romeo y Julieta’ (Franco Zeffirelli, 1968) y ‘Romeo + Julieta de William Shakespeare’ (Baz Luhrmann, 1996)

Si ha habido una obra de teatro capaz de ser reconocida al primer instante por el 99% de las personas que pueblan el planeta, esa sin duda es ‘Romeo y Julieta’. Estamos ante una historia universal y atemporal, de sobra por todos conocida, que emerge a sus propios personajes como símbolos ‘pater’ del amor inmortal, desmedido y tan intenso que no es capaz de escapar ni siquiera a la muerte.
Su influencia en el arte, ya sea en diferentes pinturas y música, ha sido ante todo prolífica y también ante todo variada, aportando cada artista la visión personal que era capaz de dar sobre la obra. Por supuesto no escaparía el cine, al cual se han realizado diversas adaptaciones, y poseyendo muchas de ellas un toque distintivo en el que el autor del film ha querido dejar expresa su seña identidad en la inmortal obra de Shakespeare, respetando por supuesto los códigos sobre los que ésta se cimenta.
Las dos adaptaciones que paso a comentar poseen un estilo tan antagónico entre sí, que a pesar de que uno mismo se pueda permitir aquella libertad de que “contra más te gusta una, menos la otra”, no debería ser cierta, ya que precisamente es este choque de estilos lo que la visión de ambas en conjunto debería servir para convertirla en una experiencia mucho más enriquecedora de la obra al pasarla del teatro al cine.

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La película de Franco Zeffirelli hace gala de un clasicismo apabullante, con una recreación histórica cuanto menos hermosa y más que cercana a la obra, y dotada a su vez por una gran destreza en los decorados y en las ambientaciones (una muestra más de la calidad de las producciones de ese gran productor de los años 60 que fue Dino de Laurentiis), persiguiendo el objetivo de transcribir la obra de Shakespeare con la mayor rigurosidad posible, es decir, lo que vendría a ser “al pie de la letra”, con el firme objetivo de ser el más fiel de los espejos de la misma.

En su empeño cabe destacar que no ignora en ningún momento más allá de la propia intensidad romántica y trágica de la obra, sino que además ensalza los pequeños contrapuntos cómicos tanto de los personajes como de las propias situaciones que se dan a lo largo de la trama.
No solo merece la pena mencionar su corrección artística y también la de su guión correspondiente a su fidelidad y buen hacer en la adaptación, sino ensalzar también a un Zeffirelli en pleno estado de gracia en una de sus obras más aclamadas, capaz de transportarnos a una inmortal, bella y también peligrosa Verona, que adereza a su vez a la obra del toque ‘camp’ propio de los años 60, y presente indirectamente en muchos de los elementos a priori representativos de la obra.
El espectador normal y quizás menos afín a este tipo de historias y adaptaciones no debería mostrar prejuicios a la hora de enfrentarse a ella, pues la película se encuentra en un permanente estado de gracia que nos mete dentro del meollo de la historia con gran profundidad y acierto, consiguiendo varios siglos después el mismo resultado que perseguía Shakespeare con su obra original, es decir, conmover al espectador y conseguir transportarnos durante dos horas a la burbuja de amor y muerte en la que se encuentran sumidos los personajes.
La misma falta de prejuicios debería mostrar aquel que se lance a contemplar la ‘Romeo + Julieta de William Shakespeare’ pergeñada por uno de esos directores adictos a escapar a las normas y a las convencionalidades en las que se va quedando atrapado el cine actual. Baz Luhrmann tiene la capacidad de no dejar indiferente jamás, y convierte la clásica tragedia shakesperiana en una ‘space opera’ en la que no faltan ni los tenores ni la diva, con ese afeminado Mercucio que a pesar de la radicalidad de su personaje no pierde ni un solo ápice de la esencia del original ideado por Shakespeare.

https://ellectorespectador.files.wordpress.com/2014/12/a0f02-romeojulietrz5.jpgTildar a la película como golfa y gamberra sería acertado, y el hecho de que la apabullante sensación de modernidad y transgresión de la que hace gala no rompa para nada el respeto ni los rasgos más propios del universo de Shakespeare, sino que a su vez esta modernidad sirva para ser capaz de aportar “algo nuevo” más allá de quedarse en un espejismo artificial, es algo más que encomiable y que posee un gran mérito por parte de sus realizadores, que convierten una tragedia clásica en un esperpento (en el buen sentido de la palabra) lleno de sátira, en el que cada momento cómico es recibido con efusividad y cada trágico, más allá de lo pretendidamente forzado, logre el mismo objetivo que en la de Zeffirelli: provocar las mismas sensaciones ancestrales que de seguro que tuvieron las mismas personas que contemplaron la obra teatral de Shakespeare hace varios siglos.
De nuestra capacidad para no decantarnos radicalmente por una o por otra y sí de disfrutar de la visión complementaria y a la par de ambas, encontraremos otro modo de disfrutar muy gratamente una vez más de una de las obras más importantes de la Historia de la Literatura.

RESEÑAS DE DIEGO RODRÍGUEZ (2º BACH. B) SOBRE LAS PELÍCULAS ‘Shakespeare enamorado’ (John Madden, 1998) Y ‘Anonymous’ (Roland Emmerich, 2011)

Si se pudiera considerar a algún escritor como un nombre clave en la Historia de la Literatura, ése sería sin lugar a dudas William Shakespeare, y no solo por la superlativa e impagable calidad de sus numerosos trabajos, sino por la infinita capacidad de influencia y transgresión que ha ejercido en el mundo de la escritura con su trabajo.

Shakespeare es merecedor de la definición de artista en su máxima expresión, un creador de imágenes, sueños y mundos capaces de sumergirnos en una burbuja en la que los amantes de las buenas historias recogen su mayor premio, pues no solo su obra se nutre de la calidad de los propios relatos, sino que éstos se cimentan sobre unos personajes dotados de tal complejidad y matización, que son la perfecta contribución para la creación de un universo tan característico y con una señas de identidad profundamente marcadas, como abierto a infinitas posibilidades e historias.

Su vida a nivel personal es tan fastuosa y productiva como enigmática, rodeada de elementos y situaciones cuanto menos peculiares, entre las que sin duda alguna destacan los llamados ‘años perdidos’ sobre los que escasísimas o ninguna referencia se tienen acerca de su persona.

Dentro de este marco de intriga y misterio se enmarca la producción de Roland Emmerich ‘Anonymous’, que convierte una interpretación más e igualmente diferente de la vida de Shakespeare en un thriller de época en el que no faltan las pasiones, el misterio o la ampulosidad de la que hace gala la etapa isabelina en Inglaterra. Tomando como referencia el hecho de la escasa información que se tiene sobre la vida académica de Shakespeare y las dudas que ésta genera acerca de la increíble y cuantiosa adquisición de conocimientos literarios e información histórica con la que compone sus historias, el guionista John Orloff toma como punto de partida al personaje de Edward de Vere, autor y literato coetáneo a William, y lo convierte en el eje sobre el que se cimenta esta reinterpretación biográfica, teniendo en cuenta el doble papel que juega este personaje llevando una especie de vida secreta al tratarse del autor real que redacta la obra que hoy le atribuimos a Shakespeare, tratándose éste de un mero seudónimo.

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La poca seriedad que actualmente cobra esta teoría y la elevada veracidad sobre la misma que nos pretenden “vender” en la película desde el mismísimo tráiler no debe ser excusa para disfrutar desprejuiciadamente de un film dedicado fundamentalmente al entretenimiento y realizado con buen gusto y espectacularidad, con una espectacular recreación histórica de la Inglaterra isabelina que provoca las delicias de todo aficionado a la Literatura, a la Historia y ante todo, a las teorías conspiranoicas que avivan nuestra imaginación y a veces, nos hacen replantearnos mucho más allá de lo que somos capaces de ver.

En el extremo completamente opuesto de la balanza se encuentra la ‘Shakespeare in love’ de John Madden, ganadora de premios de gran importancia y prestigio como el propio Oscar a la Mejor Película de 1998.

Si en la otrora mencionada y comentada primaba el énfasis conspiranoico y novelesco dotado intrigas palaciegas, en ésta el objetivo es completamente diferente, realizando nueva e igualmente una reinterpretación biográfica de William Shakespeare llevada esta vez por los derroteros de la comedia romántica como se puede comprobar en sus numerosos tejemanejes y romances con Lady Viola, interpretada por una fantástica Gwyneth Paltrow. De hecho este romance es el principal hilo conductor de esta historia (el guión posee el enorme acierto de comparar dicho romance con la historia de ‘Romeo y Julieta’ escrita por el propio Shakespeare y haciendo el símil de la misma con el romance con Lady Viola con el amor prohibido como telón de fondo) “de época”, donde al igual que en la anterior ambientaciones y vestuario se encuentran cuidados de una manera sumamente especial y detallista.

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El tratamiento que se le da en esta alegre versión del personaje de Shakespeare destaca por su gran diferencia respecto a la anterior, convirtiéndolo aquí en un arquetipo más cercano y tópico al clásico autor de prestigio pero al que lo último que le sobra es el dinero, y más preocupado por la redacción de sus obras dentro de su burbuja mental y por disfrutar del amor que siente por su musa, haciendo gala de una innegable capacidad de seducción propia de los héroes históricos desde tiempos inmemoriales. Y lo cierto es que a pesar de lo tópico que pudiera parecer esta transformación de la biografía shakesperiana, la trama y la propia película funcionan de manera perfecta, creando una simbiosis de comedia, romance y teatro aderezada de diversos detalles históricos (las apariciones de la reina Isabel y la gran admiración que procesa al autor, o la prohibición a las mujeres de no poder ejercer como actrices de personajes femeninos y teniendo aquí a Lady Viola como la heroína que desafía ese machista e injusto régimen impuesto por los censores) que funciona principalmente gracias a un guión ágil que garantiza el entretenimiento constante, las risas y la emoción de su desenlace, y a una interpretación protagónica de Joseph Fiennes, que crea a un desinhibido y carismático Shakespeare que lleva el peso de la historia con sumo acierto.

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En conclusión, dos biografías que a pesar de no poseer una exactitud histórica nada fiable y ser ambas producto de la imaginación de sus creadores, sí que ofrecen dos versiones cuanto menos interesantes y originales tomando como referencia a un autor clave de la literatura y haciendo de su vida un fabuloso caleidoscopio en el cual disfrutar con el aroma del buen cine con el que ambas películas nos contagian.

RESEÑA DE BRENDA MORÁN (4º ESO A) SOBRE LAS “LEYENDAS” DE BÉCQUER

Entre todas las leyendas que pertenecen al famoso autor Gustavo Adolfo Bécquer algunas son muy entretenidas, como El Monte de las Ánimas o El rayo de luna, pero una de las mejores es Maese Pérez el organista.

http://seporque.files.wordpress.com/2011/12/portadaleyendas.jpgTrata de un organista llamado Maese Pérez que es muy bueno tocando el órgano e intenta tocarlo en la Misa del Gallo en la iglesia del convento de Santa Inés, en Sevilla. El mismo día cae enfermo y muere. Dos años después la Madre Superiora le pide a la hija de este que toque el órgano durante la Misa del Gallo, pero ella se niega y es un músico muy malo el que se encarga de hacerlo. Todos se sorprenden porque el órgano sonaba igual que cuando lo tocaba Maese Pérez, y es que en esa iglesia se está produciendo un fenómeno muy extraño que no os voy a desvelar.

Es una leyenda que te entran ganas de leerla una, dos y muchas más veces, tiene una mezcla de intriga y misterio, sin duda ¡ una gran leyenda , leedla !