Reseña de la película “El patriota” por Sara Romero Torreón (2º de bachillerato B)

Esta película está ambientada en el momento que surgió la Revolución Americana, y la guerra que mantuvieron contra los ingleses. Este film concretamente se centra en la vida de un hombre llamado Benjamin, el cuál es un viudo que tiene bajo su manto a siete hijos.
Un día, su hijo mayor llamado Gabriel decide alistarse voluntariamente en la guerra, acarreando esto múltiples consecuencias que llevarán a Benjamin a tener que decantarse entre guardar la seguridad de su familia o luchar por la libertad del país al que pertenece.

Personalmente, esta película me ha encantado. La ambientación se ajusta perfectamente a su época, y eso sin añadir las brillantes actuaciones que aparecen (como por ejemplo la de su protagonista Mel Gibson o Head Ledger, entre otros).
De la trama de esta película algo que me ha llamado mucho la atención es la fuerza del protagonista tras ver que dos de sus hijos mueren a manos de la misma persona (perteneciente al ejército inglés), y de como pese a todo lucha por hacer justicia, sin derrumbarse.
También cabe destacar la frialdad absoluta de esos soldados ingleses, la sangre fría con la que disparaban a las personas, incluido niños.
Esta película hará que en varios momentos te emociones y saques tu parte más humana. Por ejemplo, uno de los momentos que voy a destacar concretamente para así poder ejemplificar esta idea,  es la escena en la que la hija pequeña y autista del protagonista está ‘enfadada’ con él porque nunca está en casa (o eso se puede deducir), y en el momento que él se dispone a irse de su casa, para seguir combatiendo en la guerra, de repente esta niña habla y dice ‘no te vayas papa, diré todo lo que quieras, pero no te vayas’. Escenas así hacen que te emociones (aunque quizás dicho así no emocione lo suficiente).
Por lo contrario, lo único que puedo destacar que no me ha gustado de esta película son algunos detalles que bajo mi punto de vista, han resultado un poco surrealista. De ejemplo puedo poner, el tema predominante en la historia en la que una panda de pueblerinos rebeldes consiguen acabar con todo un ejército inglés. Pero quitando esto, me ha parecido una película bastante interesante y que puede ayudarte a entender mejor parte de esa guerra tan masacradora que un día vivió el pueblo americano.

Reseña de la película “Argo” por Diego Rodríguez Verano (2º Bto. B)

Con toda justicia, ‘Argo’ se convirtió en una de las mejores películas del 2012. Un gran caleidoscopio en el que todas las piezas encajan de manera fabulosa, gestando una obra entretenidísima con una historia increíble y apasionante.Argo-INTL-MAIN-QUAD

Y es que en cuasi contadas ocasiones podemos gozar de un film en el que todo o casi todo funciona, desde el estupendo reparto, hasta un guión sencillamente genial (abarca desde el detalle y rigor histórico pasando por la acidez agridulce de la mordacidad de Hollywood, pasando por la comedia autoparódica del sistema, y bueno… el típico dramilla pseudofamiliar insertado con calzador, peero bueeeh.. se puede pasar), y unas escenas de acción perfectamente montadas que ni mucho menos suponen un pegote comercial. Aunque sí es cierto que en su recta final, por mucha emoción y suspense que sea capaz de aglutinar, sí que se le notan muchísimo las cosquillas al guión en ese afán por superarse al “más imposible todavía”, en el que parece querer acercarse peligrosamente al terreno de la parodia, a pesar de que si es cierto que nos mantiene expectantes pegados a la pantalla.

Ben Affleck ya ha reconfirmado una vez más que su mayor vocación es la de dirigir bastante más por encima que la de actuar. Porque desde luego aquí nos deja otra interpretación lineal y más plana que otra cosa, más propia del que cumple con lo mínimo que del que destaca. Todo lo contrario del resto del reparto, espléndido de principio a fin, desde los siempre magníficos Goodman y Arkin (aquí podrían firmar un dueto de comedia sencillamente único) hasta el resto de los integrantes, mencionando sobre todo a los “6 jinetes”, que sin necesidad de excesivas exploraciones psicológicas con solo miradas y frases sueltas quedan más que definidos.

Una de esas películas que te dejan un excelente sabor de boca tras verla, de esos ratitos de buen cine que tanto y tanto se agradecen, de esas escasas obras que son capaces de demostrar que a veces compromiso y entretenimiento también pueden ir unidos de la mano. No solo de las que vale la pena apoquinar la cartera en taquilla, sino de las que revisionar más de una vez en cuanto traspase las pantallas. Oscar merecido y película para el recuerdo.

“Mi historia es lo único que hay entre ustedes y una pistola en la cabeza”

Reseña de la película “Celda 211” por Diego Rodríguez Verano (2º Bto. B)

‘Celda 211’ se ha convertido sin lugar a dudas en un título referente dentro del cine carcelario y una de las mejores y más osadas películas del cine español en bastante tiempo.

Monzón crea una obra asfixiante, repleta de maestría por momentos. Su dirección es intimista en las situaciones de calma entre los personajes, briosa en los momentos de tensión o simplemente fría en los momentos en los que la violencia y la sangre duelen y rebosan… todo ello con una estética de documental y apostando por los espacios cerrados, a los que convierte en un personaje más de la trama.

 El guión es portentoso, sabiendo bien como jugar a sorprender al espectador y que éste no se espere el próximo giro o lo que va a suceder dentro de unos minutos en ese entorno hostil y temible en el que se ha convertido esa prisión en medio del campo. También se agradece que no eche por la borda la resolución de los conflictos a través de escenas de acción rutinarias que en manos de otro seguramente serían la mayor baza del film y que apueste siempre por una tensión contenida y por momentos claustrofóbica. Merece la pena destacar una estupenda caracterización psicológica de los personajes, así como el curiosísimo y sorprendente recurso de utilizar a los presos de ETA como moneda de cambio.

 Celda-211-bPor otro lado, merecidísimo el Goya que se encasquetó Luis Tosar de manera casi automática, pues el fantástico actor da vida a una meritoria creación del carismático y a la vez fiel y justo ”a su manera” Malamadre, todo un icono ya mítico dentro de su filmografía y al que el actor sabe darle credibilidad sin caer en los típicos aspavientos e histrionismos a los que nos tienen acostumbrados otros personajes y actores similares. Resines sorprende con un personaje inusual del que vamos conociendo más datos a medida que avanza el metraje. Marta Etura realiza una interpretación aceptable con un personaje algo tópico y sin demasiado interés, mientras que un principiante Alberto Ammann es el que queda más suelto en comparación con sus fantásticos acompañantes.

Una de las mejores películas españolas de los últimos tiempos, destinada a triunfar muy merecidamente y a sorprender a todos aquellos que esperan algo nuevo y destacable dentro de un cine español poco acostumbrado a los triunfos propios. Algo que este notable thriller carcelario ya ha conseguido, y a mucha honra. Peliculón.

Reseña de la película “Amadeus” por Diego Rodríguez Verano (2º Bto. B)

Con unas elevadísimas expectativas y confiando en el buen hacer de Forman, me dispuse a conseguir ‘la versión del director’ de esta apreciada y respetada joyita del séptimo arte con la intención de visionar la pedazo de obra que se supone que es. Sin embargo, el resultado final se me antoja bastante irregular.

Porque a pesar de sus muchos logros y virtudes, ‘Amadeus’ posee una serie de baches en cuanto a ritmo complicados de levantar. Es probable que sea culpa de que lo que yo he visto es la propia ‘versión del director’, aunque igualmente se echa de menos un mayor dinamismo a la hora de encauzar los diferentes acontecimientos que se nos van mostrando.
Sin embargo, su mayor lo encuentro en el propio tono del guión, que parece no querer encontrarse a sí mismo. Combinar momentos cómicos con otros mucho más oscuros suele ser un recurso al que si se agarra tanto un buen director como una buena historia, el resultado puede llegar a ser inmejorable. No veo aquí el caso, pues al final la sensación es que historia y tono no terminan de conjugar como aparentemente debería.amadeus
A pesar de todo merece recalcar el film por sus virtudes, más allá de momentos de enorme intensidad y emoción o por la notablísima banda sonora capaz de conjugar cine y música en un híbrido cercano a la perfección, con varios números musicales que alcanzan prácticamente la perfección. También merece la pena destacar un estupendo reparto que se adueña literalmente de la pantalla, encabezado por un soberbio Tom Hulce (curioso el olvido y la extraña desaparición de este actor), cuya risa chillona se convirtió en todo un icono. Sin embargo, el genio de esta película es sin lugar a dudas F. Murray Abraham, con una interpretación que escapa a todos los límites posibles, y que encarna a un Salieri realmente espectacular.

Queda así una estupenda biografía (no oficial por cierto, no busquen grandes comparaciones entre los hechos relatados en esta película con la historia real y oficial del compositor vienés) que además de ahondar de gran manera en la psicología de los personajes, se encarga también de crear una cuasi perfecta ecuación entre cine, música y arte; y a la que considero que de haber afinado un poco más el guión, sería una película realmente inolvidable.

Reseña de la película “Abre los ojos” por Diego Rodríguez Verano (2º Bto. B)

lejandro Amenábar despuntó en 1996 con ese impecable ejercicio de suspense e intriga que es ‘Tesis’, todo un gran soplo de aire fresco para el cine español, alejado al fin de las comedias gruesas y de la Guerra Civil. Un año después Amenábar se superó a sí mismo en la que yo considero por el momento su obra más lograda a todos los niveles.

 

‘Abre los ojos’ no solo no se parece a ninguna película que se haya rodado anteriormente en nuestro país. Amenábar enmarca esta inquietante fábula dentro del drama y de la intriga con un toque de fantasía de lo más acertado. Las imágenes de esta genial obra son hipnóticas, capaces de hechizar al espectador y hacerle vivir y sentir en primera persona la terrible odisea que vive el protagonista desde que su rostro queda desfigurado debido a un frustrado intento de asesinato.

 

Los personajes se encuentran muy cuidados, destacando al protagonista: el chico rico, atractivo, conquistador y chulito que tras sufrir la desgracia de su vida nos mostrará su otra cara, la de una persona atormentada y que no es capaz de despertarse de la pesadilla que está condenado a aguantar durante el resto de su vida sin encontrar ninguna solución posible. El resto de los personajes que se entrecruzan en su vida son meros peones que poco a poco irán configurando y cambiando para siempre su vida, representando cada uno un papel fundamental en su destino.

El reparto cumple de muy buena manera, agradeciéndose ver a Eduardo Noriega en una de sus interpretaciones más correctas. Penélope Cruz empezaba a cobrar fama y a ir despuntando gracias a su belleza y a su naturalidad. El resto cumple igualmente de manera notable, con un Fele Martínez alejado de la imagen de psicópata que había cobrado en el anterior filme de Amenábar, un más que convincente Chete Lera y una soberbia Najwa Nimri, que crea a un personaje tan sensual y erótico como perturbador.

Amenábar experimenta y juega con el montaje a lo largo de toda la película consiguiendo un efecto más que satisfactorio y que obliga al espectador a estar atento durante todo el metraje para no perderse en la maraña y el doble juego que su director nos propone, y ante todo para permanecer atónitos al descubrir su sorpresivo y brutal desenlace.

Finalmente, tras todos estos (merecidísimos) halagos huelga decir que no solo se trata de una de las mejores películas del cine español reciente, sino ante una película fascinante y de visionado obligado (alejaos de su infumable remake yankee, ‘Vanilla Sky’). Disfrutad y sacadle el jugo a una historia de sueños, de amor, de confusión y de miedo a perderlo todo.


 

MÁS SOBRE SHAKESPEARE Y EL CINE. Reseñas de Diego Rodríguez (2º Bach. B) sobre ‘Romeo y Julieta’ (Franco Zeffirelli, 1968) y ‘Romeo + Julieta de William Shakespeare’ (Baz Luhrmann, 1996)

Si ha habido una obra de teatro capaz de ser reconocida al primer instante por el 99% de las personas que pueblan el planeta, esa sin duda es ‘Romeo y Julieta’. Estamos ante una historia universal y atemporal, de sobra por todos conocida, que emerge a sus propios personajes como símbolos ‘pater’ del amor inmortal, desmedido y tan intenso que no es capaz de escapar ni siquiera a la muerte.
Su influencia en el arte, ya sea en diferentes pinturas y música, ha sido ante todo prolífica y también ante todo variada, aportando cada artista la visión personal que era capaz de dar sobre la obra. Por supuesto no escaparía el cine, al cual se han realizado diversas adaptaciones, y poseyendo muchas de ellas un toque distintivo en el que el autor del film ha querido dejar expresa su seña identidad en la inmortal obra de Shakespeare, respetando por supuesto los códigos sobre los que ésta se cimenta.
Las dos adaptaciones que paso a comentar poseen un estilo tan antagónico entre sí, que a pesar de que uno mismo se pueda permitir aquella libertad de que “contra más te gusta una, menos la otra”, no debería ser cierta, ya que precisamente es este choque de estilos lo que la visión de ambas en conjunto debería servir para convertirla en una experiencia mucho más enriquecedora de la obra al pasarla del teatro al cine.

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La película de Franco Zeffirelli hace gala de un clasicismo apabullante, con una recreación histórica cuanto menos hermosa y más que cercana a la obra, y dotada a su vez por una gran destreza en los decorados y en las ambientaciones (una muestra más de la calidad de las producciones de ese gran productor de los años 60 que fue Dino de Laurentiis), persiguiendo el objetivo de transcribir la obra de Shakespeare con la mayor rigurosidad posible, es decir, lo que vendría a ser “al pie de la letra”, con el firme objetivo de ser el más fiel de los espejos de la misma.

En su empeño cabe destacar que no ignora en ningún momento más allá de la propia intensidad romántica y trágica de la obra, sino que además ensalza los pequeños contrapuntos cómicos tanto de los personajes como de las propias situaciones que se dan a lo largo de la trama.
No solo merece la pena mencionar su corrección artística y también la de su guión correspondiente a su fidelidad y buen hacer en la adaptación, sino ensalzar también a un Zeffirelli en pleno estado de gracia en una de sus obras más aclamadas, capaz de transportarnos a una inmortal, bella y también peligrosa Verona, que adereza a su vez a la obra del toque ‘camp’ propio de los años 60, y presente indirectamente en muchos de los elementos a priori representativos de la obra.
El espectador normal y quizás menos afín a este tipo de historias y adaptaciones no debería mostrar prejuicios a la hora de enfrentarse a ella, pues la película se encuentra en un permanente estado de gracia que nos mete dentro del meollo de la historia con gran profundidad y acierto, consiguiendo varios siglos después el mismo resultado que perseguía Shakespeare con su obra original, es decir, conmover al espectador y conseguir transportarnos durante dos horas a la burbuja de amor y muerte en la que se encuentran sumidos los personajes.
La misma falta de prejuicios debería mostrar aquel que se lance a contemplar la ‘Romeo + Julieta de William Shakespeare’ pergeñada por uno de esos directores adictos a escapar a las normas y a las convencionalidades en las que se va quedando atrapado el cine actual. Baz Luhrmann tiene la capacidad de no dejar indiferente jamás, y convierte la clásica tragedia shakesperiana en una ‘space opera’ en la que no faltan ni los tenores ni la diva, con ese afeminado Mercucio que a pesar de la radicalidad de su personaje no pierde ni un solo ápice de la esencia del original ideado por Shakespeare.

https://ellectorespectador.files.wordpress.com/2014/12/a0f02-romeojulietrz5.jpg?w=368&h=365Tildar a la película como golfa y gamberra sería acertado, y el hecho de que la apabullante sensación de modernidad y transgresión de la que hace gala no rompa para nada el respeto ni los rasgos más propios del universo de Shakespeare, sino que a su vez esta modernidad sirva para ser capaz de aportar “algo nuevo” más allá de quedarse en un espejismo artificial, es algo más que encomiable y que posee un gran mérito por parte de sus realizadores, que convierten una tragedia clásica en un esperpento (en el buen sentido de la palabra) lleno de sátira, en el que cada momento cómico es recibido con efusividad y cada trágico, más allá de lo pretendidamente forzado, logre el mismo objetivo que en la de Zeffirelli: provocar las mismas sensaciones ancestrales que de seguro que tuvieron las mismas personas que contemplaron la obra teatral de Shakespeare hace varios siglos.
De nuestra capacidad para no decantarnos radicalmente por una o por otra y sí de disfrutar de la visión complementaria y a la par de ambas, encontraremos otro modo de disfrutar muy gratamente una vez más de una de las obras más importantes de la Historia de la Literatura.

RESEÑAS DE DIEGO RODRÍGUEZ (2º BACH. B) SOBRE LAS PELÍCULAS ‘Shakespeare enamorado’ (John Madden, 1998) Y ‘Anonymous’ (Roland Emmerich, 2011)

Si se pudiera considerar a algún escritor como un nombre clave en la Historia de la Literatura, ése sería sin lugar a dudas William Shakespeare, y no solo por la superlativa e impagable calidad de sus numerosos trabajos, sino por la infinita capacidad de influencia y transgresión que ha ejercido en el mundo de la escritura con su trabajo.

Shakespeare es merecedor de la definición de artista en su máxima expresión, un creador de imágenes, sueños y mundos capaces de sumergirnos en una burbuja en la que los amantes de las buenas historias recogen su mayor premio, pues no solo su obra se nutre de la calidad de los propios relatos, sino que éstos se cimentan sobre unos personajes dotados de tal complejidad y matización, que son la perfecta contribución para la creación de un universo tan característico y con una señas de identidad profundamente marcadas, como abierto a infinitas posibilidades e historias.

Su vida a nivel personal es tan fastuosa y productiva como enigmática, rodeada de elementos y situaciones cuanto menos peculiares, entre las que sin duda alguna destacan los llamados ‘años perdidos’ sobre los que escasísimas o ninguna referencia se tienen acerca de su persona.

Dentro de este marco de intriga y misterio se enmarca la producción de Roland Emmerich ‘Anonymous’, que convierte una interpretación más e igualmente diferente de la vida de Shakespeare en un thriller de época en el que no faltan las pasiones, el misterio o la ampulosidad de la que hace gala la etapa isabelina en Inglaterra. Tomando como referencia el hecho de la escasa información que se tiene sobre la vida académica de Shakespeare y las dudas que ésta genera acerca de la increíble y cuantiosa adquisición de conocimientos literarios e información histórica con la que compone sus historias, el guionista John Orloff toma como punto de partida al personaje de Edward de Vere, autor y literato coetáneo a William, y lo convierte en el eje sobre el que se cimenta esta reinterpretación biográfica, teniendo en cuenta el doble papel que juega este personaje llevando una especie de vida secreta al tratarse del autor real que redacta la obra que hoy le atribuimos a Shakespeare, tratándose éste de un mero seudónimo.

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La poca seriedad que actualmente cobra esta teoría y la elevada veracidad sobre la misma que nos pretenden “vender” en la película desde el mismísimo tráiler no debe ser excusa para disfrutar desprejuiciadamente de un film dedicado fundamentalmente al entretenimiento y realizado con buen gusto y espectacularidad, con una espectacular recreación histórica de la Inglaterra isabelina que provoca las delicias de todo aficionado a la Literatura, a la Historia y ante todo, a las teorías conspiranoicas que avivan nuestra imaginación y a veces, nos hacen replantearnos mucho más allá de lo que somos capaces de ver.

En el extremo completamente opuesto de la balanza se encuentra la ‘Shakespeare in love’ de John Madden, ganadora de premios de gran importancia y prestigio como el propio Oscar a la Mejor Película de 1998.

Si en la otrora mencionada y comentada primaba el énfasis conspiranoico y novelesco dotado intrigas palaciegas, en ésta el objetivo es completamente diferente, realizando nueva e igualmente una reinterpretación biográfica de William Shakespeare llevada esta vez por los derroteros de la comedia romántica como se puede comprobar en sus numerosos tejemanejes y romances con Lady Viola, interpretada por una fantástica Gwyneth Paltrow. De hecho este romance es el principal hilo conductor de esta historia (el guión posee el enorme acierto de comparar dicho romance con la historia de ‘Romeo y Julieta’ escrita por el propio Shakespeare y haciendo el símil de la misma con el romance con Lady Viola con el amor prohibido como telón de fondo) “de época”, donde al igual que en la anterior ambientaciones y vestuario se encuentran cuidados de una manera sumamente especial y detallista.

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El tratamiento que se le da en esta alegre versión del personaje de Shakespeare destaca por su gran diferencia respecto a la anterior, convirtiéndolo aquí en un arquetipo más cercano y tópico al clásico autor de prestigio pero al que lo último que le sobra es el dinero, y más preocupado por la redacción de sus obras dentro de su burbuja mental y por disfrutar del amor que siente por su musa, haciendo gala de una innegable capacidad de seducción propia de los héroes históricos desde tiempos inmemoriales. Y lo cierto es que a pesar de lo tópico que pudiera parecer esta transformación de la biografía shakesperiana, la trama y la propia película funcionan de manera perfecta, creando una simbiosis de comedia, romance y teatro aderezada de diversos detalles históricos (las apariciones de la reina Isabel y la gran admiración que procesa al autor, o la prohibición a las mujeres de no poder ejercer como actrices de personajes femeninos y teniendo aquí a Lady Viola como la heroína que desafía ese machista e injusto régimen impuesto por los censores) que funciona principalmente gracias a un guión ágil que garantiza el entretenimiento constante, las risas y la emoción de su desenlace, y a una interpretación protagónica de Joseph Fiennes, que crea a un desinhibido y carismático Shakespeare que lleva el peso de la historia con sumo acierto.

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En conclusión, dos biografías que a pesar de no poseer una exactitud histórica nada fiable y ser ambas producto de la imaginación de sus creadores, sí que ofrecen dos versiones cuanto menos interesantes y originales tomando como referencia a un autor clave de la literatura y haciendo de su vida un fabuloso caleidoscopio en el cual disfrutar con el aroma del buen cine con el que ambas películas nos contagian.