Dados

Hoy 1º de Bachillerato ha acudido a la representación teatral de “Dados” de José Padilla. La obra nos sitúa en el almacén de una tienda de cómics, donde X graba su podcast de juegos de rol. Recibe la visita de Y, que lo acompaña en esta búsqueda de sí mismo en plena crisis de identidad de género. La obra se convierte en una magnética partida que desde el principio planea sobre temas actuales que preocupan en la adolescencia y siempre de un modo elocuente y certero, y lo más importante es que pone sobre la mesa la identidad de género, la orientación sexual, la salud mental… de un modo valiente y esperanzador. Hay que hablar, hay que escuchar.  

La impresión general del alumnado fue muy positiva. Salimos de la representación con un montón de referencias más claras de los temas que toca (identidad de género, orientación sexual, prejuicios, la necesidad de empatía, el lenguaje inclusivo…)

Es fantástico que el teatro Alameda programe obras tan necesarias como la protagonizada por Almudena Puyo y Juan Blanco. Apúntala, «Dados», IMPRESCINDIBLE.

Luces de bohemia

Cartel de Luces de bohemia

Atreverse con un texto tan clásico como “Luces de bohemia” de Valle-Inclán puede suponer un salto mortal para cualquier dramaturgo y para cualquier actor que interprete a Max Estrella. Pienso que el principal miedo que surge al llevar a escena estas obras es que las elevamos tanto como clásico que acometer un proyecto así con libertad y de una manera poco académica y canonizada resulta ya un escollo importante.

No sabría dibujar con precisión una forma académica y canonizada de abordarlo pero desde luego si estamos ante un clásico debería admitir diferentes lecturas y propuestas escénicas a lo largo de los años. El riesgo es que solo se admita que la obra se puede entender si tienes una cierta edad porque siempre se ha explicado, visto y presentado de una misma manera y esa es la válida. Si ocurre esto, es fácil deducir que no será tan clásico y definitivamente no tan bueno si resulta viejuno desde el minuto uno. 

El texto de Valle-Inclán es suficientemente elástico como para adaptarlo a cualquier época y funcionar porque el fondo es el esperpéntico país que es España. De ahí que la propuesta de Alfonso Zurro funcione. El dramaturgo se atreve a cambiar algunas partes y presentar un Max Estrella menos impostado y más naturalizado, que se degrada paulatinamente porque va agotando sus fuerzas y muestra una fragilidad más que comprensible para una persona que está harta de la realidad que vive (algo que podemos comprender hoy tanto como en épocas pasadas). 

Luces de bohemia” presenta la última noche de vida de un poeta ciego, Max Estrella, acompañado por su amigo Don Latino de Híspalis. Juntos recorren calles, tabernas, tienen enfrentamientos con la autoridad, encuentros con periodistas corruptos… y a lo largo de estos encuentros van diseccionando el ser españoles y la esencia de un país al que catalogan como un estado africano por esa idea de patriota y nacionalismo tan particular como enconada. 

Paradójicamente fuimos a verla cuando un partido de extrema derecha presenta una moción de censura a un Gobierno de corte progresista sumido en una crisis profunda debido a una pandemia sanitaria, en un momento en el que el concepto de patriota está más en boca de todo el mundo que nunca y es así como todo lo relativo en el texto a la nación “¡Viva España!” o “ministra de desgobernación” adquieren una dimensión totalmente diferente a como lo había leído anteriormente. 

En la propuesta de Zurro, el espectador ya conoce el desenlace pues nos situamos en la muerte del protagonista. Luego, como un flashback profundamente efectista el público se sumerge en ese recorrido hasta llegar al cuadro final: la muerte del poeta. 

Escena a escena la representación muta, se enriquece con aportaciones lumínicas y atrezzo que va siendo introducido y modificado por los actores. La virtualidad de la propuesta gana fuerza y empaque con las luces y el movimiento de bloques de madera que hacen de tumbas, prisiones, tabernas… Además, destaca la diversidad de matices aportada a los diferentes personajes que pululan por la escena representados por cuatro actores y actrices que confieren ironía y agilidad a la trama en la que todo es un juego de espejos hábilmente engranado para dibujar la imagen de un país y su disfuncionalidad. 

El final, el momento en el que Don Latino deja a su amigo en la puerta de su casa como tantas otras veces y este muere solo es impagable. La intensidad de la escena se completa cuando Don Latino le roba la cartera y el décimo a la vez que a sus espaldas, en esa pasarela sobreelevada va desfilando su propio entierro, el del protagonista. 

Romeo y Julieta

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Ángela Álvarez, Aridian Lorence y Hasan Raquibul

Los clásicos son clásicos… ¿pero por qué lo son? ¿Qué los convierte en clásicos? ¿Todos merecen ser leídos? Al final lo que concluimos es que lo más interesante de leer un libro, considerado clásico o no, es la interpretación que uno hace y lo que puede decir de él al cabo del tiempo.

Los alumnos de Literatura Universal dan su opinión de la obra Romeo y Julieta de William Shakespeare en este vídeo donde tratan de responder a algunas preguntas que todo el mundo, haya leído la obra o no, se hace.

La tristeza de los ogros / Guerra y trementina

Esta semana y la que viene tendremos la oportunidad de asistir a esas representaciones programadas por el Teatro Central que no nos dejan indiferentes. Son una oportunidad para ver dos obras que nos ponen en contacto con dos autores a seguir dentro de las artes escénicas actuales.

La tristeza de los ogros  es «una ópera prima magistral que habla el idioma de los adolescentes y conecta con su grito desesperanzado; el espejo de una generación colapsada de imágenes». 

Guerra y trementina es la última entrega de Jan Lauwers y Needcompany.»Descubre una infancia vivida en Gante en medio de una gran pobreza, los horrores de la Gran Guerra en las trincheras y un gran amor fallecido prematuramente. La fascinación que siempre ejerció sobre él la vida de sus abuelos lo lleva finalmente a escribir Guerre et thérébenthine.»

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Bodas de sangre

Allá por 1931 escribía Federico García Lorca esta tragedia dividida en tres actos. Para escribirla, se inspiraba en un hecho real sucedido en el Cortijo del Fraila, en Níjar (Almería). El dramaturgo se basaba en la tragedia ocurrida en su tierra andaluza para componer esta obra, que acompañaba en la misma época a otras como Yerma, Doña Rosita la soltera o El lenguaje de las flores. Todas tienen en común una historia rural de su tiempo, la vida andaluza, lo cotidiano de aquel momento en España. En este caso, se nos presenta la historia de dos jóvenes a punto de contraer matrimonio, el cual fracasará tras el abandono de la novia por su primer e histórico pretendiente. Como algo habitual de las obras lorquianas, el desenlace presenta la trágica muerte tras el enfrentamiento de protagonistas.

BodasdesangreLa excepción de esta obra es la ausencia de nombres en todos los personajes menos en Leonardo, con la intención de reflejar los prototipos de aquella época. El hecho de una vieja disputa entre familias, la pena de una madre que teme por su hijo, o la llama de un amor que nunca se apagó reflejan muy bien el panorama social del campo en aquella época. Por otra parte, en los momentos decisivos, Lorca abandona la prosa y apuesta por el verso, ayudándose durante toda la obra de símbolos como el caballo, la luna o la mendiga que representan la garra del hombre, la oscuridad, y la muerte acontecida en ésta. Destaca durante la transición de la obra la preocupación y angustia que siente la madre del novio, dolida por el recuerdo de su marido y su hijo, asesinados por la familia rival, «los Félix». El hecho de que su otro hijo se vaya a casar con la ex novia de Leonardo, «el de los Félix» exponía aquél miedo de la madre por el único hijo que le queda, desconfiando en toda la obra de las intenciones de la novia. Esto, por tanto, refleja bien el papel de madre de protectora de su hijo, que incluso podemos observar llegados a nuestros días.

En definitiva, la tragedia refleja los aspectos cotidianos como bien era la intención de Lorca, aspectos que focalizaban escenas repetidas hasta hoy, en especial el amor de la novia por una anterior pareja imposible de olvidar. Así mismo, Leonardo, quien ni mucho menos tampoco ha podido olvidarla aún teniendo un hijo con su actual pareja. Todo esto desata mucha de las convenciones sociales del amor que existen actualmente.

Por Antonio Angulo Pérez, 2º Bach-B

Programación del Teatro Central

Hemos actualizado la programación del Teatro Central par este segundo trimestre, que viene repleta de obras muy recomendables. Esta semana podremos ver Smoking Room, adaptación teatro de la exitosa película, y la semana que viene La ternura, una nueva oportunidad de descubrir y disfrutar de la propuesta de  Alfredo Sanzol, uno de nuestros dramaturgos imprescindibles.

Punk Rock

cartelpunkDentro del primer ciclo Los Jóvenes y El Teatro que programa el Teatro Alameda de Sevilla tuvimos la oportunidad de asistir a la representación de la obra Punk Rock de La Joven Compañía (Madrid). Nuestros alumnos de 3º ESO y 2º PMAR  acudieron a la representación de esta producción y quedaron realmente sorprendidos.

Se trata de un texto original de Simon Stephens, adaptado en esta versión por José Luis Collado y dirigido por José Luis Arellano García. En esta obra siete jóvenes se enfrentan a los exámenes finales del instituto que les abrirán las puertas de la Universidad y así podrán escapar del suburbio industrial en el que han crecido. Para todos ellos, por unas circunstancias u otras, este momento es clave. Supone una huida hacia delante de la que no todos podrán salir ilesos. La obra presenta a los personajes uno por uno, mezclando música punk con rock y video proyecciones sobre un espacio muy acotado: una sala de estudio. El futuro los espera…

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Charla con los actores después de la representación

Después de la representación, pudimos charlar con los actores. En general, el público se animó a hacer algunas preguntas antes de salir.

Finalmente, nos hicimos una foto a las puertas del Teatro Alameda:

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Celestina

El próximo viernes 18 podremos asistir a la representación de Celestina en el Teatro Central. Esta coproducción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico que dirige Helena Pimienta y Teatro de la Abadía que dirige José Luis Gómez mete en la piel de la alcahueta al propio José Luis Gómez  y nos brinda la oportunidad de conocer los desventurados amores de Calisto y Melibea.

Aquí disponéis de la ficha de la obra..

Representación teatral de «Fuenteovejuna» TNT/El Vacie en el Teatro Central

Mañana viernes 21 de octubre y el sábado 22, tenemos la posibilidad de asistir en el Teatro Central de Sevilla al estreno absoluto de una nueva versión de la conocida obra de Lope de Vega Fuente Ovejuna bajo la dirección de Pepa Gamboa.   La particularidad de esta relectura drámatica es que la directora andaluza vuelve a dirigir de nuevo, tras el aclamado éxito de La casa de Bernarda Alba, a un grupo de actrices de etnia gitana del asentamiento chabolista de El Vacie. El objetivo en palabras de la directora es  representar y denunciar la exclusión social partiendo de un colectivo como el gitano que sufre día a día esa situación y para eso la obra de Lope de Vega se eleva como un símbolo contra la opresión.

Os incluimos aquí un fragmento tomado de la web del Teatro Central que reproduce las palabras de Gamboa sobre su finalidad a la hora de montar la obra : «El descarnado triunfo de las desigualdades y el estado de excepción político, social y económico permanente en el que vivimos, en el que nuestros gobiernos comienzan a moverse sin ambages fuera de la legalidad, otorga una vigencia importante a la  obra: uno de los grandes temas, prácticamente el tópico de Fuente Ovejuna, es la rebelión del pueblo contra los atropellos de gobierno tiránico. Sin embargo, aunque  ese aspecto sea interesante, Fuente Ovejuna es bastante más compleja que eso. Y es en esas complejidades, más aún cuando la representa un grupo de mujeres  de un colectivo tradicionalmente marginado, donde quisiera ahondar en este montaje.«

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Si tenéis la posibilidad de asistir, esperamos vuestros comentarios.

Reseña de «La respiración»

A modo de resumen, en esta obra se muestra un episodio de la protagonista, llamada Nagore, en el que ésta intentará superar un mal trago sentimental ayudada por los consejos de madre , que la introduce en un círculo vicioso de relaciones que mantiene con los demás personajes.

Sin embargo, la historia resulta ser una comedia en la que el autor intenta transmitir las idas y vueltas que da la vida, las emociones, a veces inestables, y todo ello envuelto en una red de relaciones en las que podemos apoyarnos para superar malos tragos que a menudo no son más que pequeños problemas de los que nosotros mismos creamos una tragedia. En la obra, el autor define perfectamente con los personajes cada uno de los sentimientos, a los que relaciona con un color para cada uno, en lo que viene siendo una metáfora de cómo actúan estos sentimientos en nuestra vida. Así por ejemplo, encontramos el verde en la madre, ejemplo de mesura y veteranía, el rojo en el joven, ejemplificando la intensidad de la juventud, o el rosa en la joven, interpretando la dulzura y la inocencia, así como el amarillo en el profesor de yoga, mostrando la faceta liberal de la vida.

Bajo mi punto de vista, resulta una obra bastante interesante por la idea o interpretación que pretende transmitirnos el autor, el cual intenta definir al amor, que a veces va y viene. Y es que éste nos hace jóvenes a todos, dependientes, inmaduros, y a veces, prisioneros, haciéndonos vivir en ocasiones una realidad distinta, modificada, según la transformemos con nuestras propias idealizaciones, como si intentáramos perfeccionarla con una necesidad imperiosa.

(Manuel Díaz, 2º bto. B)

Es una obra de humor en la que se tratan los líos amorosos de una mujer con una vida común, pero que cambia repentinamente en tanto que conoce a una serie de individuos algo inusuales.
La recomiendo porque me parece muy divertida y sobre todo por el mensaje, ya que muestra una forma distinta de amar y ser feliz, haciendo dudar y reflexionar al espectador sobre lo correcto y lo que no lo es, sobre el poder que una sociedad y cultura determinada ejerce sobre las decisiones y pensamientos cotidianos.

(Mª Ángeles Cintado, 2º bto. B)

Fue una actuación bastante buena, con un escenario muy apropiado y acogedor: una casa, en la que se desarrollaban todos los actos. Las relaciones entre los personajes se veía muy claramente. Una adecuada vocalización y muy buena técnica para cambiar de escena, en la cual cada actor utilizaba un instrumento y cantaban y eso llamaba la atención. Con un mismo vestuario para todas las escenas y luces que se adaptaban al momento, como por ejemplo, para la clase de yoga eran más tenues. Hubo momento de tensión, como cuando tenían que encontrar el sacacorchos para abrir la botella de vino. Muy apropiado el desarrollo de la escena, la cual proporcionaba momentos muy cómicos, y sobre todo la forma de hablar de la protagonista Nagore.  Es una obra en la cual se trasmite de manera muy clara los sentimientos de los personajes y el amor que entre todos hacen que Nagore sea feliz.

Obra muy recomendable.

(Mª Ángeles Maraver 2º bto. B)

En mi opinión la obra es muy recomendable y alentadora, no es una obra que te ayude a superar las cosas pero parte de una historia normal que poco a poco se va desarrollando y volviéndose irracional con un punto humorístico que te hará pasar un buen momento riendote de una situación cotidiana que es llevada a la fantasía por el autor.

(Meryanne De la Rosa 2º bto. B

Teatro: «La isla púrpura» de Kamikaze Teatro

LaIsla-Purpura-1-Pedro-Gato_w-750x500.jpgEl próximo fin de semana podremos ver una nueva producción de Kamikaze en el Teatro Central, en este caso se trata de La isla púrpura de Mihail Bulgakov.

“Versión libre de esta sátira sobre la censura, la represión intelectual, la libertad de expresión, nunca hasta ahora representada en los teatros españoles.

La isla púrpura” aborda la representación chapucera de la obra de dicho título. A toda prisa y sin preparación la compañía de Guenadi Panfílovich improvisa la función ante un único espectador, Savva Lukich, censor del régimen y única persona que puede dar el visto bueno para que la pieza llegue a ser representada. Urgencia: Lukich se va mañana de vacaciones. Horror: el director-Panfílovich- no tiene ni idea de lo que ha de representarse, por suerte tiene a su lado al dramaturgo Vasili Artúrovich Dymogatski, un periodista venido a menos que se hace llamar Julio Verne. El desastre está servido, la farsa va a dar comienzo.” (de la web de Teatro Guimerá)

 

Valoración de Mª Ángeles Cintado (2º Bto. B):

Es bastante recomendable a mi parecer. Se trata de una obra dramática con ciertos puntos de humor que refleja las distintas perspectivas de un grupo de actores sobre el difícil mundo del teatro.
Uno de los factores que me han llamado la atención y lo que creo que la distingue de ser una obra común es el giro drástico que da el argumento, en el que se pasa repentinamente de una historia a otra, es decir, envuelve totalmente al espectador para que, en el momento en el que se cambie, el espectador quede desubicado pero poco a poco vaya descubriendo la trama, algo que me pareció muy original y divertido.